Há cerca de dois anos, quando Encontro Explosivo estreou, o papel de Tom Cruise como astro de ação foi contestado. A contestação ganhou ainda mais notoriedade quando o filme não foi bem nas bilheterias, e a Paramount chegou ao ponto de seriamente pensar em aposentar o ator da franquia Missão: Impossível, temendo que um novo longa da franquia de espionagem também obtivesse uma arrecadação ruim. O tempo passou, os executivos da Paramount acabaram por se convencer de que o fracasso de Encontro Explosivo se deu por vários outros fatores (entre eles, a fraquíssima e nada inspirada direção de James Mangold), e deram mais uma chance a Cruise neste Missão: Impossível: Protocolo Fantasma.

Chance essa, que o ator agarrou com força total. Depois desse filme, vai ser difícil encontrar alguém dizendo que ele não serve mais para bancar o herói de ação. Cruise sua a camisa, pula, luta, dirige, e corre, corre muito! A perseguição a pé durante uma tempestade de areia que o diga! Fica a impressão de que Cruise quis provar sua relevância como astro de ação, e isso ele consegue com louvor. A cena em que ele escala o prédio mais alto do mundo, em Dubai, rivaliza facilmente com aquela do segundo filme onde seu personagem aparece escalando uma montanha no meio do deserto sem auxílio de qualquer equipamento.

No quarto longa da série Missão Impossível, Ethan Hunt (Tom Cruise) é acusado de ter explodido o Kremlin de Moscovo (sede do governo da Rússia), trazendo de volta a antiga tensão da Guerra Fria entre Rússia e Estados Unidos. Como retaliação, toda a IMF (Impossible Mission Forces, ou Força Missão Impossível) é desativada, e seus ex-integrantes são todos presos. Para comprovar a gravidade da situação, até mesmo o lendário Secretário – sim, aquele que é citado em todos os convites para missões recebidos pelos agentes – dá as caras, interpretado por Tom Wilkinson numa rápida ponta. Cabe a Hunt, junto a alguns poucos agentes, provar que a IMF não teve relação alguma com a explosão, e encontrar o verdadeiro culpado.

A equipe de Hunt neste filme é formada por Brandt (Jeremy Renner), Benji Dunn (Simon Pegg) e Jane Carter (Paula Patton), cada um com determinada função na trama. Carter, assim como a Zhen Lei de Missão: Impossível III, utiliza toda a sua sensualidade para atrair inimigos e assim extrair deles valiosas informações. Benji Dunn é o hacker, responsável por quebrar a segurança dos prédio para ganhar acesso às câmeras, elevadores e afins. O personagem já havia aparecido no longa anterior, mas ganha muito mais destaque dessa vez. Ele é um pouco atrapalhado e responsável pelos alívios cômicos da projeção, que funcionam muito bem graças ao ótimo timing do ator Simon Pegg. Já o personagem Brandt entra meio que por osmose na equipe, e detalhes sobre ele vão sendo revelados no decorrer do filme. Vale salientar que este foi o único personagem interpretado por Renner em 2011, pois aqueles parcos segundos em Thor onde o ator apareceu vestido de Gavião Arqueiro foram tão insípidos que nem foi mesmo possível analisar a atuação do sujeito.

O roteiro, escrito por André Nemec e Josh Applebaum (roteiristas veteranos das séries de TV) surpreende por não tratar os personagens secundários como meros objetos, como se estivessem ali apenas para servir a um propósito e pudessem ser descartados logo em seguida. A dupla acerta ao dar mais de uma faceta a esses coadjuvantes. Benji Dunn, por exemplo, não é simplesmente “o hacker“, exercendo também a função de alívio cômico – um ótimo alívio cômico, acrescento. Jane Carter sofreu um golpe muito forte, e tem que lidar com o sentimento de vingança que cresce dentro dela; Brandt entra na equipe como um completo anônimo, mas logo sabemos que ele também tem problemas com seu passado nebuloso. Enfim, esses detalhes de background acrescentam peso aos personagens, tornando-os mais palpáveis.

Ainda sobre o roteiro, a decisão de não utilizar as tradicionais máscaras da série provou-se mais que certa, acrescentando uma tensão extra em certos momentos do filme. Quando vemos Ethan Hunt entrando no Kremlin disfarçado de militar russo, apenas com farda e bigode como disfarce, impossível não ficar tenso. Outro momento em que isso acontece é durante a negociação no hotel em Dubai. Naquela cena, a falta das máscaras fazem até mesmo os próprios agentes temerem o sucesso do plano. Isso, aliado à boa montagem de Paul Hirsch (que retorna à franquia após quinze anos), ajuda a criar a tensão do momento. Essa foi uma ótima ideia dos roteiristas, e é disso que a série precisa: inovações. Pena que a dupla não levou esse conceito mais à frente, perdendo a chance de se livrar de alguns clichês internos da franquia. O maior desses clichês é o plot que sempre coloca Ethan Hunt para salvar o mundo sem ajuda da IMF. Esse conceito já apareceu tanto no primeiro quanto no terceiro filme, provando que já é hora de pensar em algo novo.

Além dos roteiristas, outro que marca sua estreia na série é Brad Bird, diretor oriundo das animações. É dele o longa Gigante de Ferro, uma emocionante porém pouco lembrada animação. Em seu caminho pela Pixar, Bird realizou OsOs Íncríveis e o superestimado Ratatouille. Aliás, foi seu trabalho realizado no filme estrelado pela família Incrível que acabou lhe rendendo o convite para dirigir este novo Missão: Impossível. No filme de 2004, Bird provou-se um diretor versátil, transitando da animação tradicional para a computadorizada sem problemas. Agora, o cineasta dá um salto ainda maior: sai completamente do ramo da animação, para filmar um live action. E se sai muito muito bem, como pôde ser observado. A forma como Bird realiza um travelling do quarto do hotel, passando por cima de Ethan Hunt e logo em seguida dando ao espectador a visão da enorme altura em que os personagens se encontram é sensacional, chegando inclusive a dar uma leve sensação de vertigem. Poderia também citar o momento em que um carro capota e a ação é mostrada de dentro, algo que pouquíssimos diretores (incluindo aí Christopher Nolan) têm coragem de fazer, e apresenta um ponto de vista inusitado para algo que os espectadores já viram inúmeras vezes. Obviamente há mais exemplos, mas o ideal mesmo é ver na tela como Brad Bird tira proveito da câmera física, um fascinante brinquedo novo para alguém que há anos trabalhava somente com animação.

Bird aceitou tão bem o uso das câmeras físicas que decidiu deixar o filme o mais realista possível, nunca deixando com que o CG (técnica de animação utilizada nos seus dois últimos filmes) roube a cena. Até mesmo quando o recurso se faz necessário, como na sequência da tempestade de areia, ele o usa com cautela. Nessa sequência em específico, repare que a tal tempestade só é vista de longe. Quando ela se aproxima o bastante do personagem de Cruise, Bird posiciona sua câmera num ponto alto, dando ao espectador a visualização de uma grande sombra que se aproxima perigosamente do protagonista. Genial, eu diria. Outro momento com uso cauteloso de CG é o da explosão do Kremlin. A câmera foca Tom Cruise de frente, correndo o mais rápido possível para longe do Kremlin, visível às suas costas. A explosão acontece, a câmera treme, a cena acaba. Pronto. Para quê mostrar mais? Isso é Missão: Impossível, não um filme catástrofe qualquer.

Mas engana-se quem pensa que Bird esqueceu suas origens nesse seu primeiro projeto live-action. Se em Os Incríveis o cineasta fez um referência a Missão: Impossível, trazendo a clássica frase “essa mensagem se auto-destruirá em cinco segundos”, agora é a vez deste Protocolo Fantasma fazer uma referência ao filme da família super-poderosa. Alguns mais atentos irão se lembrar de um momento durante o prólogo de Os Incríveis onde o Sr. Incrível, logo antes de abrir as portas para entrar em sua cerimônia de casamento, é alertado pelo amigo Lúcio a remover a máscara, ainda em seu rosto. Já no longa-metragem aqui analisado, há um momento em que os personagens Ethan Hunt e Brandt estão prestes a entrar num quarto de hotel, para uma certa negociação. Segundos antes, Brandt alerta Hunt para que tire seus óculos de escalada, ainda no rosto. Um homenagem singela, mas muito satisfatória para quem consegue pegar.

Neste quarto longa, a franquia Missão: Impossível provou ainda ter espaço para pequenas inovações, mas ao mesmo tempo evidencia certos aspectos de sua fórmula que precisam ser urgentemente alterados para evitar a caída na mesmice.

Vocês já repararam em como nos finais de ano, sempre surge uma alegria generalizada, vinda do nada? Na infância, isso é até compreensível: o Natal (a.k.a. presentes) está aí, assim como as férias. Na medida em que vamos crescendo, as razões para alegria vão se esvaindo – presentes natalinos de parentes se torna algo cada vez mais raro, e não há por que se contentar com a chegada das férias, pois no próximo ano as matérias do colégio estarão ainda mais puxadas, sugando ainda mais o seu tempo livre. Até hoje não entendo como existem pessoas por aí que, mesmo estando com a vida completamente lascada, caem na “alegria de fim de ano”, tentando convencer a si mesmas de que o próximo ano será melhor. Peraí, então quer dizer que você tem 16 anos, engravidou sua namorada de 14 e está aí, feliz da vida no final de ano? Vá repensar essa atitude, amiguinho.

Mas então né, voltando ao ponto do texto. Acontece que neste último fim de ano em específico, eu e meus amigos tivemos algo a celebrar. Após 15 dos nossos 17 (para alguns, 18) anos de vida, concluímos o colégio. Olha, sei que óbvio o que vou dizer, mas não é algo que acontece todo dia. Só quem já concluiu sabe a sensação maravilhosa que é atravessar as portas do dito cujo para NUNCA MAIS VOLTAR. Claro, também guardo inúmeras boas lembranças desses tempos, mas só de pensar que jamais terei que acordar às 6 da manhã para estudar coisas como Biologia e Química já é um enorme alívio.

Outra coisa pela qual todo concluinte do Ensino Médio passa é o tal do vestibular. Bom, essa é outra razão para pra minha alegria de fim de ano: passei no vestibular da Católica de Pernambuco (UNICAP, para abreviar), ou seja, daqui a aluns anos, vocês estarão lendo aqui textos de um jornalista formado!

Um grande amigo meu também passou, e ano que vem estará cursando Direito. Para a comemoração, o camarada chamou os amigos para um dia de jogatina desenfreada em sua residência (há maneira melhor de comemorar?). Quando cheguei lá, a galera estava bem divida. Os caras na sala, jogando uma porcaria chamada PES, as meninas num canto da varanda, jogando conversa fora, e mais um carinha que resolveu se excluir, ficando no outro extremo da varanda, vidrado no PSP. Do jeito que estava, nem parecia uma comemoração de verdade. Logo assumi que era tudo culpa do PES, pois há pouca coisa no mundo mais chatas que simuladores de futebol.

Por sorte (minha) ou por sensatez (do anfitrião) pouco tempo depois da minha chegada meu amigo resolveu mudar o jogo. Qual game ele colocou? Este que compõe o título deste post, lógico: Michael Jackson: The Experience.

O jogo funciona com o PS Move, e tendo sido essa a minha primeira experiência com o acessório, vale fazer um breve comentário sobre o mesmo. Mas que cara de pau da Sony, hein? Copiou na cara dura o joystick do Nintendo Wii! Engraçado pensar que lá pelos idos de 2006 a Sony já cantava a vitória afobadamente, como se nem a Nintendo nem a Microsoft pudessem abalar o seu poder. Vejam só a que ponto chegamos, apenas alguns anos depois: a Sony descaradamente plagiando um recurso do console rival, aquele mesmo console que a arrogância da empresa dizia não ter nem chance de abalá-la. Mas isso não é novidade, basta olhar para o histórico da companhia para ver que ideias originais nunca foram seu forte. Quando se fala em acessórios, a grande campeã é a Microsoft com seu Kinect, o único que conseguiu criar uma experiência inovadora e diferente da proporcionada pelo console da Nintendo.

Depois do meu amigo ter mudado de jogo, a pequena festinha mudou completamente. Se antes a turma estava dividida, depois que Michael Jackson subiu no palco (desculpem, não pude evitar ) todo mundo se juntou, e nem parecia mais a mesma festa. As garotas se animaram, deram uma de dançarinas do Faustão e começaram a dançar (acompanhando quem estava jogando); os caras, quando não estavam pateticamente tentando imitar os passos de dança indicados na tela, estavam preocupados em xingar o jogador da vez (ouvir frases como “dança direito, p***a!” ou “haha, olha lá fulano, dançando igual viado!” era algo mais comum do que se imagina). Fato curioso: as garotas adoravam imitar os passos do jogo lá no fundo da sala, mas quando se tratava de pegar no controle e realmente jogar, elas amarelavam. Vai entender.

Quanto ao game, achei bem competente. Foi lançado aproveitando a relançamento à mídia que Michael Jackson teve após sua morte, e traz um belo conjunto de músicas do mesmo. Nunca fui fã do cantor, nem nunca me aprofundei em sua carreira, mas como todo ser humano que se preze, ouvi muitas das suas canções. E me surpreendi ao encontrar todas que já tinha escutado, mas mais uma porrada das quais jamais tinha sique ouvido falar. É um prato cheio para os fãs do cara e para os apreciadores de boa pop music. Depois de passar a tarde jogando Michael Jackson: The Experience e ouvindo várias de suas músicas, me dei conta de que as músicas que o cara fazia há 15 anos ou mais, são bem melhores que a grande maioria das músicas lançadas por esses cantores mais novos. O que há com essa nova geração de músicos? Poxa, alguns são tão ruins que não merecem sequer ser chamados de “músicos”.

Acredito que não há muito o que falar sobre o gameplay. Até porque nem posso falar muita coisa – só joguei uma música, Smooth Criminal. É como os outros jogos de dança que já existem, com o diferencial de ter os grandes clássicos do rei do pop. Jogar MJTE (êta, abreviação estranha!) numa festa com os amigos é como jogar aqueles arcades de dança nos shoppings, com uma diferença básica: ao invés de passar vergonha na frente de um bando de desconhecidos no shopping, você passa vergonha na frente dos seus amigos, tendo o pleno direito de zoá-los quando for a vez deles de jogar.

Acredito que essa seja a melhor forma de resumir minhas impressões após essa tarde com o jogo: é um game de shopping, daqueles que você só joga bem de vez em quando. Legal para uma tarde de diversão descompromissada, mas de forma alguma gastaria R$149,90 para ter o jogo em casa.

GTA III foi o game que elevou a Rockstar de uma semi-desconhecida softhouse norte-americana a uma das mais famosas e influentes desenvolvedoras do mundo. Mesmo sendo o terceiro, foi através dele que milhões de gamers tiveram o primeiro contato com a série, em grande parte responsável pelos mais de 100 milhões de PS2 vendidos ao redor do globo. Hoje, seu relançamento para smartphones e tablets tem tanta importância para a indústria mobile quanto teve para a Sony há dez anos atrás.

No primeiro ano de vida do PS2, não houve nenhum jogo que pudesse ser chamado de inovador. Todos os jogos eram apenas versões levemente melhoradas de games já vistos no PS1 – nem os gráficos eram grande coisa, pois os desenvolvedores ainda estavam explorando o hardware do console. Tudo mudou quando GTA III chegou ao mercado em outubro de 2001: com seu clima de libertinagem e um mundo aberto pronto para ser explorado, o game conquistou tanto o público quanto a mídia especializada, e mostrou do que a nova geração daquela época era capaz. Nos dias de hoje, por mais que o mercado de jogos para plataformas móveis cresça a passos largos, ainda tem muita gente (incluindo aí muitas empresas) que se recusa a enxergar esse crescimento, com a ideia de que games para celular se resumem apenas a “jogos da cobrinha” e Angry Birds. O lançamento de GTA III para smartsphones carrega a chance de abrir os olhos do mundo para o mercado de games mobile, da mesma forma, que, há dez anos, abriu os olhos de mundo para o PS2, quando este ainda gatinhava.

Por mais que esse relançamento de GTA III simbolize algo positivo para o indústria gamística, uma certa observação deve ser levada em conta: o game envelheceu mal – muito mal, sendo realista. O jogo praticamente inaugurou o sub-gênero do “mundo aberto”, mas todos os títulos desse estilo que vieram mais tarde adicionaram alguma coisa ao sub-gênero. As próprias sequências de GTA III mostram isso, cada uma adicionando novidades substanciais para deixar a série renovada. O sub-gênero do mundo aberto criou asas, saiu dos estúdios da Rockstar e deu origem a diversos outros games, como NARC, True Crime, Crackdown, Saint’s Row; até mesmo jogos de super-heróis adotaram os estilo, como Spider Man 2 e Hulk: Ultimate Destruction. Cada um desses games (além de muitos outros, a lista é enorme) adicionou novidades e incrementações ao estilo de mundo aberto, e foram experimentados por milhões de jogadores ao longo dos anos. Acredito que uma boa parte desses gamers jamais teve a oportunidade de jogar o game que originou isso tudo, e quando jogarem, aposto que a decepção será enorme.

A mídia especializada vem divulgando esse relançamento através de frases como “um dos maiores clássicos da história dos games“, “um dos games mais polêmicos de todos os tempos”, algo que é ruim para o jogo, pois acaba deixando as expectativas de todos lá em cima. E, levando em consideração que uma parcela significante dos gamers jamais jogou ou então não joga GTA III há anos, o resultado será catastrófico.

Alguns games envelhecem muito bem, e um belo exemplo disso é Super Mario World. O jogo foi lançado há 21 anos, para um console de três gerações atrás, ganhou pelo menos quatro sequências principais (Super Mario 64, Super Mario Sunshine, Super Mario Galaxy e Galaxy 2) e continua sendo um ótimo jogo até hoje. Quer fazer o teste? Sequestre aquele seu primo de 2º grau que passa horas na frente da TV chacoalhando o Wiimote ou sacudindo os braços abestadamente com o Kinect e apresente-o a Super Mario World. Garanto a você que o infante apreciará a experiência tanto quanto ele gosta de brincar com seus objetos dufuturu. Agora pegue aquele seu irmão chato que curte aloprar a vida do maior número possível de civis em GTA: Rio de Janeiro (sim, essa porcaria existe e é um mod escrotíssimamente mal feito de San Andreas) e coloque-o para jogar GTA III. Ele se adaptará fácil aos comandos – que são basicamente os mesmos – mas o nível de diversão será bem mais baixo. “Por quê tão poucos tipos de veículos?”, “não tem motos nesse jogo?”, “aviões helicópteros, cadê?”, “como assim, não dá pra comprar casas?”, “onde pego o jetpack?” serão apenas algumas das perguntas que a jovem criança faria.

GTA III foi um jogo importantíssimo para sua época, disso não há dúvidas. Mas não resistiu às impiedosas forças do tempo, se tornando um game datado, até mesmo chato. E por mais que seu lançamento para smartphones e tablets seja um marco importante, duvido que muitos tenham força de vontade suficiente para jogá-lo até o final.

Acredito que a produção de um filme de época seja algo mais complicado que a produção de filmes passados nos tempos atuais. Afinal, é preciso criar todo um clima, que vai do enredo, passando pelas falas dos personagens, fotografia, design de produção, que faça o espectador acreditar na história que está sendo contada ali. E Capitão América, apesar de merecer destaque positivo em muitos aspectos, acaba não sendo tão imersivo quanto deveria, por conta de uma “maldição” que assombra todos os filmes da Marvel Studios: o longa-metragem dos Vingadores.

O próprio começo do filme já sabota totalmente qualquer tentativa de imersão por parte do espectador. Ele inicia-se no presente, com exploradores encontrando o famoso escudo do Capitão, como que querendo deixar explícito para quem está assistindo que “ó, esse filme se passa no passado, mas tem um link com os outros”. As referências ao restante do universo Marvel não param por aí: o Caveira Vermelha cita a mitologia nórdica logo na sua primeira aparição (referência a Thor), é mostrada uma das primeiras edições da Stark Expo (fazendo o espectador associar automaticamente com as edições mais recentes mostradas nos longas do Homem de Ferro), e a inclusão de Howard Stark, pai de Tony Stark, personagem desinteressante e que só foi incluído para fazer a conexão de Capitão América com as outras produções da Marvel Studios. Quando o estúdio vai perceber que o seu público não é burro?

Lamentável as referências ao universo Marvel sabotarem a experiência de imersão do espectador, ainda mais quando se percebe o quanto que a equipe técnica do longa se esforçou para deixar tudo o mais convincente possível. A fotografia de Shelly Johnson capta muito bem o clima da época, apostando num tom sépia nas cenas passadas na cidade, e num cinza forte durante as sequências nos campos de batalha, retratando de forma relativamente leve (comparado a outros filmes de guerra) a angústia vivida pelos soldados. A equipe de design de produção fez um trabalho muito bom construindo uma década de 40 não exatamente realista, apresentando alguns elementos típicos dos quadrinhos (muito perceptível no covil do Caveira Vermelha), mas sem fugir para o campo da fantasia. Nesse sentido, o filme não mede esforços para soar o mais crível possível, e consegue. Quanto a computação gráfica, o longa se dá muito bem em alguns aspectos, como a caracterização do Chris Evans magro, da mesma forma feita com os irmãos Winklevosses em A Rede Social. Mas o uso de CG também é falho, como mostra a cena do trem, onde os personagens ficam totalmente destacados do cenário pelo mal uso do chroma key. Por outro lado, é louvável observar que o diretor Joe Johston optou por não fazer tudo em CG, construindo alguns elementos importantes da película (como o rosto do Caveira Vermelha) inteiramente com maquiagem, sem recorrer a elementos computadorizados.

Falando em Joe Johnston, há anos que o diretor não participa de algum filme que chame positivamente a atenção por conta da direção, e não é diferente com Capitão América. Nos primeiros minutos do longa, é até perceptível que Johnston se esforça, focando o franzino Steve Rogers de um ângulo levemente mais elevado em algumas cenas, evidenciando a fragilidade do personagem. Mas durante todo o resto, Johnston trabalha no piloto automático. Sua direção jamais empolga, nem mesmo nas cenas de ação (e imagino que este seja o último trabalho de Johnston no gênero de ação, pois mesmo depois de trabalhar em Star Wars e de dirigir Jurassic Park III e O Lobisomem, é inadmissível que o sujeito não consiga fazer uma cena de ação que cative o público). Outro que também não captou o clima do filme foi o compositor Alan Silvestri. Todas as suas composições para este filme soam genéricas, nunca entrando em acordo com o belo trabalho do design de produção. Inclusive, a única música que capta bem o clima de Capitão América é a Star Spangled Man, que nem sequer foi composta por Silvestri (e sim por Alan Menken). Que Silvestri volte a colaborar com Robert Zemeckis, lá ele trabalha melhor.

Enquanto a direção e as composições são falhas, o roteiro de Capitão América é o melhor dos três últimos filmes do Marvel Studios. Stephen McFeely e Christopher Markus souberam montar um enredo conciso, sem exageros, e o mais importante – um personagem principal que sofre um desenvolvimento perceptível aos olhos do público. O que é um alívio, considerando a bagunça com que foi desenvolvida a personalidade de Thor em seu próprio filme, mais um exemplo de que, quando se trata de roteiros, quanto menos gente envolvida, melhor o resultado final. Se bem que nem isso salvou Homem de Ferro 2, o longa da Marvel do ano passado. Mesmo contando com apenas um roteirista, Tony Stark foi tão mal trabalhado que se não fosse pela atuação de Robert Downey Jr., o personagem teria sido totalmente sabotado. Como já citei Thor, vale mais um comentário: nem o filme do deus nórdico nem este do Capitão conseguiram criar uma história de amor funcional. Em Thor, o problema era o desenvolvimento apressado demais; em Capitão América, o arco amoroso surge desnecessário, além de um tanto confuso. Peggy Carter (Heyley Atwell), par romântico de Steve Rogers, causa impacto na tela com seu uniforme militar, sotaque inglês e pose de durona – causando estranheza ao surgir usando um vestido vermelho, tentando uma abordagem mais sensual, sem sucesso.

Embora seja melhor que algumas produções anteriores do Marvel Studios, aquele gostinho de “prévia para Os Vingadores” ainda é bastante presente, um horrível fardo carregado pelos últimos longas da casa. O ano está no final, 2012 vem chegando, e com ele, o esperado longa-metragem com toda a super-equipe reunida. Vamos ver no que dá.

Scarlett Johansson, intérprete da Viúva Negra, afirmou estar insatisfeita com os rumos da sua personagem no novo filme. Segundo a atriz, a Viúva Negra estaria sendo explorada mais como interesse romântico dos heróis do que como alguém apto para a ação. Em outras palavras, estão considerando demais o femme e esquecendo o fatale.

Pena que a notícia não deixa claro quem exatamente está interessado pela personagem, meio que dando a entender que todos os membros do super grupo estariam interessados na ruiva. Já imaginaram o quão bizarro isso seria? Acabaria transformando Os Vingadores num Quem Vai Ficar Com Mary? super poderoso!

Agora, voltando ao assunto. Johansson escolheu a hora errada para reclamar – já é tarde demais. Ela com certeza leu o roteiro com antecedência, logo, sabia o que aconteceria. Reclamar agora, com as filmagens a todo vapor, não vai adiantar de nada. Por outro lado, não tiro a razão da atriz. A Viúva foi muito mal explorada nos cinemas, e é uma personagem que tem muito potencial a ser explorado. Pena que os roteiristas da Marvel não pensam da mesma forma.

Mesmo não deixando nada muito claro, essa notícia me deixou um pouco preocupado quanto ao roteiro do filme. Afinal, entre outras coisas, o longa terá que lidar com: a adaptação de Steve Rogers aos tempos atuais, a estranheza de Tony Stark (um heróis high tech) ao conhecer Thor (um heróis mitológico), apresentar melhor a Viúva Negra e o Gavião Arqueiro (especialmente esse último, que teve apenas uns 20 segundos de tela em Thor), definir onde estarão Pepper Pots, Betty Ross, Jane Foster, Peggy Carter, e explicar POR QUÊ o James Rhodes não estará no filme. Isso sem contar outras coisinhas básicas, como VILÕES.

Ao final, fica a dúvida: in Joss Whedon, we trust?

Lembro de ter assistido muito O Rei Leão quando era mais novo. Sempre visitava a casa de um primo que possuía o filme em VHS, e jamais perdia uma oportunidade de assistir a animação. O tempo passou, a fita estragou, eu cresci. Assisti a muitos dos clássicos Disney como Tarzan, Aladdin, Mulan, Branca de Neve e A Pequena Sereia (esses últimos, fazendo companhia a minha irmã) ao longo da vida. A diferença desses clássicos para O Rei Leão é que, enquanto continuei assistindo a esses clássicos com o passar dos anos, jamais esbarrei com esse último novamente. A ignorância foi tanta que nem sequer tinha noção dos prêmios que o longa havia ganho. Só fui pesquisar mais sobre o mesmo no ano passado, quando saíram as primeiras notícias sobre o relançamento 3D nos cinemas. Comprei os ingressos antecipadamente, e ontem foi o grande dia.

A experiência de assistir O Rei Leão após tanto tempo (imagino que deve ter sido uns dez anos) é difícil de descrever, de tão espetacular que é. Graças ao tempo e ao amadurecimento, pude apreciar o filme de uma nova forma, muito mais completa e imersiva do que a forma como eu via quando criança. Percebi que na infância deixei passar vários elementos do longa: alguns bem óbvios como linhas de diálogo (por exemplo, quando Pumba diz “e que foi que abateu?”), e outros mais sutis, como o simbolismo por trás das cores quentes na canção “O Que Eu Quero Mais É Ser Rei”. Além disso, hoje aprecio cenas que na minha infância considerava chatas, como a morte de Mufasa ou a canção “Esta Noite o Amor Chegou” (lembro-me inclusive de sair da frente da TV durante essas cenas, de tão chatas que eu as considerava).

A atitude da Disney em relançar um clássico desse porte nos cinemas sem dúvidas é algo louvável, dando para gerações inteiras a oportunidade de conferir O Rei Leão na forma que todo grande clássico merece ser visto (na tela grande). A única ressalva quanto a esse relançamento fica por conta do 3D, totalmente desnecessário. A tecnologia não acrescenta nada ao longa (pois o grande foco é a história, não os efeitos), encarece os ingressos (permitindo que menos pessoas confiram) e ainda atrapalha a experiência (os óculos 3D escurecem o filme, ofuscando o ótimo uso das cores que o filme faz).

Mesmo com a ressalva do 3D, O Rei Leão é um filme que merece ser visto na telona, pois não é todo dia que um clássico desses retorna para ser visto da maneira que merece. E esta é provavelmente a última vez que o longa retornará aos cinemas, sendo portanto um chance única para você acompanhar a trajetória de Simba, rir e se emocionar ao lado dos marcantes personagens (minha namorada galega chegou inclusiva a chorar durante a projeção). Então corra, essa é a última semana do filme em cartaz!

“Tudo termina dia 15/07″, já anunciavam os cartazes do último Harry Potter. Um fim inevitável, mas que ninguém queria que chegasse. Mas, se é para terminar uma das maiores sagas do Cinema, que acabe direito, certo? E eu garanto: a saga não poderia ter ganho uma final mais digno do que o apresentado neste Harry Potter e as Relíquias da Morte: Parte 2.

O filme carrega um clima sombrio bem pesado, algo que foi evoluindo no decorrer da série. Enquanto nos primeiros longas presenciávamos Harry se deslumbrando com cada pequena novidade acerca do mundo mágico, neste último vemos um jovem adulto mais do que habituado a esse universo, e que a gora tem uma preocupação muito maior do que as provas anuais: salvar o mundo de uma mal avassalador. Daniel Radcliffe, o intérprete de Harry nas telonas, também evoluiu como ator, conseguindo dar a dramaticidade perfeita para o personagem em todos os momentos do longa. O mesmo vale para Rupert Grint e Emma Watson, que mantém o ótimo nível de atuação do longa anterior.

Seria uma injustiça sem tamanho dizer que apenas o trio principal de HP 7.2 atua bem. Pelo visto, todo o elenco resolveu se empenhar ao máximo, para fechar com chave de ouro mesmo esse último capítulo. Tom Felton encarna bem um Draco Malfoy cheio de dúvidas e incertezas; Maggie Smith tem novamente a chance de brilhar como Minerva McGonagall, depois de andar meio apagada nos últimos filmes; Michael Gambon tem a chance de voltar como Dumbledore em duas oportunidades, mesmo após a morte do personagem em O Enigma do Príncipe. Mas, se há uma atuação neste filme que merece entrar para a História da Sétima Arte, esta é a de Alan Rickman como Severo Snape. O personagem tem uma função muito importante neste último filme, e Rickman já sabia disso, tendo bastante tempo para se preparar. O resultado foram duas cenas muito tocantes, de fazer chorar mesmo, que além de contar com a brilhante atuação de Rickman, foram muito bem dirigidas por David Yates.

Falando em Yates, o diretor continua com seu bom trabalho, conduzindo muito bem o filme. Ele também apresenta um imenso controle de câmera, passando informações ao espectador através da movimentação da mesma. Exemplo disso acontece logo depois que o trio protagonista sai de um lago, e discutem para onde devem ir, sem nenhuma pista. Para dar uma ênfase nesse momento de incertezas, Yates coloca a câmera para girar bem rápido ao redor dor personagens. Ele também surpreende na forma como decidiu filmar a aguardada Batalha de Hogwarts. A grande maioria dos diretores optaria por retratar a batalha com um clima épico, digno de 300 ou Senhor dos Anéis, certo? Yates teve uma visão diferenciada (e acertada, vale dizer): resolveu abordar a batalha com um clima triste. Sim, triste! E faz todo o sentido. Hogwarts foi o primeiro lugar que fez Harry se sentir feliz pela primeira vez, o lugar onde Harry fez as primeiras amizades e que ajudou a evoluir Harry como pessoa. Agora me diga: é ou não é triste ver um lugar tão importante desses caindo aos pedaços? É por razões como essa que fico curioso para conhecer os próximos projetos do diretor nessa fase pós-Harry Potter.

Outra coisa que nota-se de cara a cada novo episódio da série é a evolução dos efeitos especiais. Lembra-se das emocionantes (na época) partidas de Quadribol, ou do “temível” trasgo das masmorras em A Pedra Filosofal? Pois então, nesses dez anos de Harry Potter a tecnologia evoluiu bastante, tanto que é até uma injustiça comparar os efeitos deste HP 7.2 com os do primeiro longa. Mas mais uma vez David Yates surpreende em não utilizar os efeitos em CG como destaque, e sim como uma ferramenta para contar a história. Como na cena da invasão ao Banco Gringotes, quando o dragão entra em cena. O espectador vê que a pele dele é pálida e que ele possui vários ferimentos. Não é necessário que Hermione diga “oh, como esse dragão é maltratado!”. Como é bom ver que ainda tem gente acreditando na inteligência dos espectadores!

Se a direção e as atuações funcionam muito bem, o mesmo não pode ser dito da direção de arte do filme, que acaba sendo meio irregular. Ela brilha em alguns momentos como a composição do Chalé das Conchas, repleta de detalhes marinhos (nem as paredes ficam de fora da decoração). Por outro lado, na cena da Sala Precisa mal se vê os objetos mágicos devido ao cenário escuro, deixando passar uma ótima oportunidade de apresentar aos espectadores as obscuridades escondidas num dos espaços mais curiosos de Hogwarts.

Outro ponto em que o longa comete alguns erros é em seu roteiro. E digo aqui que a culpa não é nem de Steve Kloves (roteirista de todos os capítulos da saga com exceção do quinto), mas sim do material original no qual o filme é baseado. Lendo o livro, pude perceber que a J.K. Rowling cometeu alguns deslizes, matando personagens demais e dando soluções nada convincentes para alguns dos conflitos tratados. O problema do festival de mortes foi remediado por Kloves, que inteligentemente colocou no roteiro certas falas que evidenciam o valor que os personagens mortos possuem. No entanto, as soluções milagrosas permaneceram, enfraquecendo o roteiro e apagando aquela sensação de “e agora o que faremos?” que tanto deu certo na Parte 1.

Mesmo com alguns pequenos defeitos, Harry Potter e as Relíquias da Morte: Parte 2 encerra com maestria uma das maiores sagas da Sétima Arte. Destaco aqui ainda o epílogo do longa, muito bom mesmo, me fez chorar nas três vezes que fui ao cinema conferi-lo. Harry Potter, você deixou para sempre a sua marca tanto nos cinemas quanto nas milhões de pessoas que acompanharam a sua saga ao longo desses dez anos. Você marcou toda uma geração, Harry, uma geração que jamais esquecerá das aventuras vividas por aquele garoto que morava debaixo das escadas, na Rua dos Alfeneiros n°4.

Me lembro que, há dois anos, quando publiquei a crítica de Transformers 2, teci alguns elogios sobre o primeiro filme, e critiquei pesado o segundo. Bom, deixem que eu me corrija agora: recentemente assisti de novo o primeiro Transformers, e pude comprovar que o filme passa BEM longe de ter sido “a maior surpresa de 2007″ como eu havia dito na ocasião. Não que o filme seja de todo ruim, tem sim seus bons momentos. Quanto a Transformers 2, bom, esse aí foi e sempre será uma grande porcaria cinematográfica.

Com um filme mediano e outro péssimo nas costas, de fato ninguém sabia o que esperar de Transformers 3. Alguns estavam céticos quanto a qualidade do filme, devido às duas tentativas anteriores. Outros, ainda esperançosos, botavam fé no filme, principalmente por conta das declarações do diretor, Michael Bay. Aí vai um conselho de amigo: jamais confie no que Michael Bay diz, jamais MESMO. Ele é um marketeiro da pior espécie, do tipo que faz de tudo para que seu trabalho mais recente seja aceito e adorado por todos, não importando quão ruim eles sejam. Lembram das declarações dele sobre Transformers 2? Ele dizia para quem quisesse ouvir que seria melhor que o primeiro, tendo mais robôs, melhor desenvolvimento de personagens… Em suma, vendeu seu peixe direitinho. Pula para 2011: “quando olho para trás, vejo que foi um lixo”. Pois é, e a credibilidade do sr. Bay? Deve ter ido pro lixo também.

Na trama deste terceiro filme, Sam Witwicky (Shia Labeouf) terminou a faculdade e, apesar de já ter salvo o mundo duas vezes, tem dificuldades em arrumar um emprego. Ele agora não mora mais com os pais, e sim com a nova namorada Carly (Rosie Huntington-Whiteley), que chega para substituir a morena Mikaela (Megan Fox, que não voltou por conta de desentendimentos com o diretor – e que não faz falta alguma, aliás). Os Autobots continuam a aliança com o governo americano, lutando contra diversos males ao redor do mundo. Os Decepticons andavam meio sumidos, apenas aguardando uma nova chance para tentar dominar o mundo (de novo…).

O filme é cheio de problemas, a começar pelo seu roteiro furado, cheio de soluções e situações ridículas. Uma falha comum (e que acabou virando uma marca registrada na série) é uma que eu apelidei de “o herói que chega na hora”. Foi até legal na primeira vez que aconteceu, lá no primeiro Transformers. Mas já cansou! Poxa, será que só o Ehren Kruger (o roteirista) não percebe? E isso sem contar as saídas ridículas para determinadas situações-limite, quando por exemplo um determinado personagem está perto de cometer assassinato, e é atrapalhado por… uma folha de jornal que voava aleatoriamente por aí; ou quando a Carly tem a bizarra ideia de ter uma conversinha com Megatron. A única coisa coisa boa que dá pra falar sobre o roteiro desde terceiro Transformers é que ele não é tão desastroso quanto o do segundo filme – o que, diga-se de passagem, não é mérito nenhum.

Todos os personagens são completamente unidimensionais e mal trabalhados. Sam, o personagem principal, ainda é exatamente o mesmo do longa de 2007 – algo inadmissível para alguém saiu da adolescência e que está dando os primeiros passos rumo à vida adulta. Josh Duhamel e Tyrese Gibson também estão na mesma, servindo apenas para bancar os machões e atirar para todos os lados. Os pais de Sam (interpretados pelo casal Kevin Dunn e Julie White) sumiram das cenas de ação (algo que nunca deveria ter sido alterado) e dão as caras em apenas duas ou três (inúteis) cenas ao longo da projeção, se firmando como os personagens mais inúteis de toda a trilogia. John Malkovich interpreta um chefe metódico e obcecado pela cor amarela, tão sem graça quanto é forçado. John Turturro é outro que volta, infelizmente. O seu personagem, o agente Simmons, só não consegue ser tão vergonhoso quanto nos filmes anteriores porquê dessa vez ele tem menos tempo de tela.

Num filme caracterizado por robôs gigantes se degladiando o tempo todo, o fato de que o assunto mais comentado na internet sobre o longa tenha sido a saída da Megan Fox e sua subsequente substituição pela modelo Rosie Huntington-Whiteley é bem estranho. Não havia a mínima necessidade de discutir sobre esse assunto. A Mikaela, personagem da Megan Fox nos dois primeiros filmes, é rasa demais, jamais fazendo com que o público se importe com ela, e ainda por cima é mal interpretada. O que mudou com a chegada da Huntington-Whiteley, como Carly? Absolutamente nada. A nova namorada do Sam é tão insípida quanto a anterior, chegando ao ponto de, por si só, apontar várias das falhas do longa. A mais grave de todas se refere ao fato de que a personagem JAMAIS se suja, durante toda a projeção. No clímax, enquanto Sam sua e se suja enquanto corre de um lado para o outro, a Rosie continua intacta, com sua pele limpinha e seu cabelo irretocável. Isso é péssimo pois dá um aspecto artificial, percebido pelo expectador, fazendo com que ele não se sinta mais imerso no filme e estragando toda a experiência cinematográfica.

Michael Bay é um diretor especializado em filmes de ação, mas tem a péssima mania de se arriscar no campo da comédia. Transformers 2 é cheio dessas tentativas de humor, um humor que afirmo quase com certeza que só tem graça para o próprio diretor. Transformers 3 já é mais equilibrado nesse aspecto, com menos cenas humorísticas, mas ainda assim as que existem não funcionam. Além do personagem sem graça do John Turturro, há uma participação especial do ator Ken Jeong, que só tem força por fazer referência ao hilário Mr. Chow, personagem do ator em Se Beber, Não Case!.

Com tantos pontos negativos, Transformers 3 tem alguma coisa que se salve? Sim. Uma delas (bem óbvia, aliás) são os efeitos especiais. A ILM se superou mais uma vez, entregando aos espectadores efeitos especiais de uma qualidade absurda. Outro aspecto em que o filme se sai muito bem são nas suas cenas de ação. Por conta do 3D, o longa é beneficiado com a ausência dos infinitos cortes numa única cena (característica do diretor), fazendo com que as batalhas robóticas ganhem mais fluidez e se tornem mais agradáveis de assistir. Uma coisa que o Michael Bay veio aprimorando aos poucos com o desenrolar da franquia foi o seu uso da câmera lenta, e neste terceiro longa podemos ver bem o resultado desse aprimoramento. Todas as cenas que utilizam esse recurso ficaram lindas e são fantásticas de se ver, ainda mais com os robozões super bem feitos na tela.

No entanto, eu estaria mentindo caso dissesse que Transformers: O Lado Oculto da Lua é um filme bom. Os bons efeitos e as boas cenas de ação não são suficientes para evitar que o filme seja taxado de ruim. Com o ciclo encerrado e sem nenhum filme decente, a franquia Transformers se despede sem deixar saudades.

Não há como começar este texto de outra forma: a conferência da Nintendo foi a melhor das três grandes. As novidades, os jogos, tudo coisa fina. Sony e Microsoft, façam um favor a si mesmas e aprendam com a Big N como se faz uma conferência de verdade!

O evento abriu com um vídeo de The Legend of Zelda, mostrando diversos jogos da série, em comemoração aos seus 25 anos. Com direito até a orquestra ao vivo! Eu nunca joguei mais que meia hora de Zelda, mas poxa, com essa apresentação deu pra sentir o respeito e a adoração que os fãs e a Nintendo possuem pela série. Sensacional MESMO. Vídeo aqui.

E as comemorações do 25° aniversário da série não pararam por aí. O primeiro Zelda portátil, o Link’s Awakening será lançado no Virtual Console, dando a chance para que milhões de gamers ao redor do mundo conheçam o título. Outro game portátil da série, Four Swords será liberado para download GRATUITO no DSi. Lindo, né não? E mais: o concerto que estava lá presente fará uma turnê mundial, tocando a trilha sonora de Zelda! Pena que a nossa querida South America não foi incluída…

Depois de tanto Zelda, Satoru Iwata (a.k.a. chefão da Nintendo) subiu ao palco para dar um gostinho do novo console da empresa, falando apenas que será um console para todos os tipos de jogadores, deixando a curiosidade no ar.

É a vez do 3DS receber um pouco de atenção, e para falar dele, Reggie Fils-Aime surgiu no palco. É fato que desde o lançamento, o Nintendo 3DS não teve nenhum jogo verdadeiramente expressivo, e essa E3 sem dúvidas veio para mudar isso. Dos estúdios internos da Nintendo, foram exibidos cinco jogos. Foram eles: Mario Kart 3DS, Star Fox 64 3D, Super Mario 3DS, Kid Icarus: Uprising e Luigi’s Mansion 2. Cada um desses games chamou atenção por aspectos diferentes (e positivos, na maioria). MK3DS prova que a franquia de corrida da Big N ainda tem muito o que explorar, com a inclusão e asas-delta nessa nova versão. SF64 3D se o mesmo caminho que Ocarina of Time, sendo uma nova roupagem para um game clássico. A novidade aqui é o suporte online e a possibilidade de ver as expressões dos adversários, trazendo de volta um pouco da farra que era jogar com mais três amigos na mesma sala. Super Mario 3DS, ao meu ver, é uma evolução do New Super Mario Bros., agora trazendo cenários tridimensionais. Kid Icarus: Uprising foi a maior surpresa. Muita ação, jogabilidade refinada (pelo que deu pra ver no vídeo) e é o que mais me deu vontade de jogar em 3D, por contas do seu estilo ágil e cores vibrantes.

Saindo um pouco dos produzidos internamente pelo Nintendo, também foi mostrada muita coisa feita pelas empresas third party. Dez jogos, condensados neste vídeo de pouco mais de um minuto. Desses, os que me chamaram mais atenção foram: Cave Story 3D, nova versão do game indie japonês (que já tinha ganhado uma versão renovada no Wii); Resident Evil: Revelations, que aparentemente tenta resgatar o clima de survivor horror que fez tanto sucesso nos primórdios da série; Drive: Renegade, que também tenta recuperar a glória de dias passados; e MGS: Snake Eater 3D. Poxa, é Metal Gear!

Depois de mais algumas novidades, como um Virtual Console exclusivo para o 3DS, chega o grande momento, a hora de falar do sucessor do Wii. Fils-Aime entregou o nome do aparelho (Wii U) e apresentou ao mundo seu controle. Gostei bastante, é a Nintendo sempre inovando a cada geração. Não vou perder tempo descrevendo o negócio (até por que vocês todos já sabem como ele é), então aí vai uma imagemzinha só pra não passar em branco:

Assim como aconteceu com o Wii, um vídeo foi exibido mostrando as novas possibilidades de jogo que o controle trará, além de outro ilustrando as capacidades gráficas do novo console. Perceberam o salto gigante em relação ao Wii original?

E, por fim, mais um vídeo, dessa vez um depoimentos dos desenvolvedores, falando de suas expectativas para com o novo console. Nesse mesmo vídeo, foram anunciados alguns dos games que serão lançados para o aparelho: Darksiders II, Tekken, Batman: Arkham City, Assassin’s Creed, Ghost Recon Online, Dirt, Aliens: Colonial Marines, Metro Last Light e Ninja Gaiden 3: Razor’s Edge. Não sei vocês, mas isso é prova mais que suficiente para acreditar que a Nintendo está correndo atrás dos gamers hardcore, praticamente abandonados pela empresa no Wii.

Sei que nada de muito concreto foi revelado sobre os novos consoles da Sony e Microsoft, mas só pelo Wii U, digo que essa nova geração será deveras interessante!

Obs: e chega ao fim a mais longa cobertura da E3 de todos os tempos!

A conferência começou muito bem, com um vídeo introdutório apresentando os principais sistemas da empresa e os futuros jogos. O vídeo ficou muito bom, para quem quiser conferi-lo, basta clicar aqui.

Após o vídeo, Jack Tretton (presidente e CEO da SCEA) subiu ao palco, para falar algumas coisas a respeito do PS3, entre elas, a queda da PSN. Essa seria uma ótima oportunidade para explicar COMO a rede saiu do ar, mas Tretton preferiu não tocar no assunto.

A Sony tinha muitas coisas para mostrar nessa conferência, e muitos fãs estavam ávidos por novidades sobre certos jogos. O primeiro desses blockbusters gamísticos apresentados foi Uncharted 3, demonstrados pelos co-presidentes da Naughty Dog. Pode até ser que eu esteja enganado, mas estranhei a demo exibida. Sempre imaginei que Uncharted fosse tipo Tomb Raider, com exploração em lugares inóspitos, coisa e tal. Mas na demo da conferência Drake estava mais para um James Bond mal vestido do que para um explorador destemido. A movimentação do personagem também ficou estranha. Tá tudo bem que ele tá num navio sacolejante, mas precisa ficar andando o tempo todo como se estivesse com dois tijolos acoplados nos ombros? Mas tenho que admitir: a parte que a água começa a invadir o navio ficou muito boa. Quiser ver a demo, clica aqui.

Depois foi a vez da Insomniac Games mostrar o gameplay de Resistence 3. Gostei do que vi. O cenário de guerra, aliens (e pessoas) gritando pra todo lado. Imagina jogar essa belezinha em 3D!

Dando continuidade à tendência iniciada com God of War Collection, a Sony anunciou mais duas coletâneas para o PS3. Uma se chamará God of War Origins Collection, e incluirá os dois games da série lançados para o PSP. Olha, achei isso uma sacanagem muito grande da Sony, pois ela poderia muito bem ter lançado esse pacote (ou os dois games separados) para o PS2, tenho certeza que o console rodaria esses dois games sem problema algum. Mas fazer o que, né? As coisas quase nunca funcionam como queremos. A outra coletânea se chamará The Team ICO Collection, e incluirá dois dos maiores clássicos do PS2: ICO e Shadow of the Colossus (o jogo favorito deste que vos escreve )

Uma coisa que eu achei legal na conferência da Sony foi que a empresa não tentou empurrar o PS Move na guela dos consumidores, como a Microsoft fez com o Kinect. Sim, houve jogos com enfoque no Move, mas nada tão exagerado quanto a dona do Xbox fez. Teve O NBA 2K12, com direito até a astro do basquete estadunidense para promover o jogo. Medieval Moves: Deadmund’s Quest também é outro jogo que está sendo totalmente projetado pensando-se no PS Move, e chamou minha atenção. Gráficos redondos, apelo meio casual, puzzles simples. Não é tão idiota quanto o Once Opon a Monster do 360, mas também não é tão hardcore quanto um Resistence da vida. É o tipo de jogo ideal para apresentar os games à namorada, por exemplo. E você não corre nenhum risco de passar vergonha caso de vejam jogando, algo que provavelmente acontecerá se alguém ver você se divertindo com Disney Kinect Adventures. Fechando o “pacote PS Move” da conferência, foi anunciado que LittleBigPlanet 2 receberá uma atualização que fará o jogo ter suporte ao PS Move, aumentando assim o leque de possibilidades na criação de estágios e a logevidade do mesmo.

Vários games apareceram na conferência apenas em forma de trailer. inFamous 2 (trailer) foi um deles, e não havia necessidade de mostrá-lo no evento porque o game já estava nas lojas. O trailer de StarHwak, também em desenvolvimento por um estúdio interno da Sony, foi o que mais chamou minha atenção. Ele está sendo feito pelo Santa Monica Studio, o mesmo responsável pela série God of War, ou seja, coisa boa vem por aí. Se fosse para descrever o trailer numa frase, seria a seguinte: “quanto Halo encontra Transformers. Uma antiga franquia do PS2 está retornando no PS3, e também só foi exibido o trailer. Trata-se do novo Sly Cooper, com o subtítulo Thieves in Time. Não conheço a série, e devo ter sido o único que não entendeu aquela piadinha no final do trailer. Enfim.

Saindo um pouco dos títulos first party, empresas de fora da Sony também tiveram trailers de seus games exibidos na conferência. Destaque para Dust 514 (trailer aqui), um jogo online massivo que integrará os jogadores de PS3 com os de PC, algo feito poucas vezes até agora. Tretton também falou um pouco de três games da EA (Need for Speed: The Run, SSX e Battlefield 3), revelando a as versões para PS3 desses games terão algumas exclusividades. A Sony foi esperta em não perder tempo mostrando trailers desses jogos, pois a EA tem a sua própria conferência pré-E3 para revelá-los.

Depois de mais de uma hora de evento, chegou o momento que todos esperavam. Kaz Hirai subiu ao palco e mostrou ao mundo o novo portátil da Sony, o PSVita (anteriormente chamado de NGP). O console já tinha sido exibido antes, mas nunca com tantos detalhes. E o mais importante: jogos, muitos jogos. O primeiro demonstrado foi Uncharted: Golden Abyss. A primeira coisa que se nota, claro, são os gráficos, ESPETACULARES, ainda mais quando se leva em conta que tudo aquilo está rodando em um portátil. O game me pareceu muito bom, embora conte com algumas firulas inúteis realizadas através da tela de toque.

Outros quatro games para o PSVita foram mostrados, cada um focado num gênero diferente. Ruin é um RPG de ação, bastante parecido com Diablo, da Blizzard. Dentro do seu gênero, o game não apresenta nada de novo, mas é importante ter um RPG na linha de lançamento do portátil, pois o público para esse tipo de jogo é bem grande. ModNation Racers é a versão portátil do já famoso game de corrida da Sony. O jogo impressionou bastante por conta da simplicidade na criação de pistas. Bem simples, com apenas dois dedos dá pra fazer uma pista, com quantos detalhes o jogador quiser. Duvida? Aqui está a demo. Apareceu também uma versão de LittleBigPlanet, mas só em vídeo. O último game mostrado foi Street Fighter vs. Tekken (vídeo do gameplay aqui). Todo mundo já sabia do game, mas a versão para PSVita foi realmente uma surpresa. O jogo foi demonstrado por um japonês baixinho muito simpático (com um inglês horrível). Aparentemente, o game seguirá o mesmo estilo de Marvel vs. Capcom 3, passando bem longe do estilo metódico de Street Fighter 4.

E essa foi a conferência da Sony, com títulos e revelações muito mais interessantes que a da Microsoft.